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‘Assolutamente avvincente’: perché il Red Studio di Matisse è ancora forte | Henri Matisse

Lo studio dell’artista è il loro mondo. È uno dei loro luoghi più privati ​​e, nel caso di Henri Matisse, è il ritratto più intimo che gli spettatori possono ottenere di un artista che molto raramente ritrae se stesso.

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“Lo studio è il cuore della vita dell’artista”, afferma Ann Temkin, Marie-Josée del Museum of Modern Art e capo curatore di pittura e scultura di Henry Kravis. “Non è solo un interno qualsiasi. È il fulcro di ciò che hanno creato nel loro mondo. Quando un artista sceglie di realizzare un’opera che riguardi lo studio, è quasi per definizione un’opera sull’arte in un modo molto più ampio”.

Questo non è mai più vero che con The Red Studio (1911) di Matisse, una pietra miliare della collezione del MoMA dal 1949. Il dipinto alto sei piedi e largo sette piedi è, in un certo senso, esso stesso uno spettacolo che Matisse ha allestito nel suo spazio di lavoro nella periferia parigina di Issy-les-Moulineaux, disseminato di dipinti, sculture, oggetti decorativi e mobili. Capita che siano tutti avvolti o avvolti in un rosso veneziano simile al mattone che copre più di due terzi della tela, un gesto quasi rivoluzionario in un’epoca in cui la monocromia non si era ancora affermata nell’arte moderna.

Quello spirito audace continua a parlare agli spettatori oggi. “Quando guardi il dipinto di uno studio che è anche un’opera davvero radicale in termini di approccio stilistico, le persone sentono nelle ossa che qui c’è un artista che ti dice: ‘Ecco chi sono. Questa è la mia vita. E presentandolo in quella che allora era una moda quasi indescrivibilmente sperimentale, ti sto dimostrando cos’è il coraggio creativo”.

Una nuova mostra al MoMA riunisce per la prima volta in più di un secolo il dipinto storico con le sue 10 opere d’arte sopravvissute. Matisse: Lo studio rosso Include fotografie e lettere d’archivio inedite accanto a dipinti e disegni che illuminano le origini e l’affascinante storia del quadro, dal suo rifiuto da parte del mecenate russo che lo commissionò ai suoi viaggi all’estero (incluso un periodo in una discoteca londinese) e l’eventuale acquisizione da parte di MoMA.

Lo Studio Rosso di Henri Matisse
Lo Studio Rosso di Henri Matisse. Fotografia: Denis Doorly/The Museum of Modern Art, New York. Foto di Denis Doorly

Questa sarà la prima riunione dei sei dipinti esistenti, tre sculture e una ceramica da quando erano insieme sotto il tetto di Matisse al momento della realizzazione di The Red Studio. Risalenti ai 13 anni precedenti, si va da dipinti rivoluzionari, come Le Luxe II (1907–08), a opere meno conosciute, come Corsica, The Old Mill (1898), a oggetti solo di recente riscoperta. L’ispirazione per la disposizione del MoMA di questi è venuta dai numerosi dipinti di Matisse ciotole per pesci rossi da quel periodo: “Non c’è direzionalità, né inizio né fine”, dice Temkin. “I visitatori del museo possono nuotare intorno ai dipinti e alle sculture in questa boccia per pesci rossi.”

Queste opere lasciano un’impressione predominante di abbondanza di corpi – in pose languide, sdraiate, allungate, accovacciate, contorte e arricciate. In effetti, Sergei Shchukin, il magnate tessile di Mosca che era allora il più importante mecenate di Matisse, preferiva le figure nei dipinti di Matisse, come ha educatamente notato in una lettera in vista rifiutando lo Studio Rosso finito.

Questo segna l’inizio di una traiettoria sorprendente da pittura relativamente poco conosciuta a una delle più celebri di Matisse, con una sala espositiva dedicata alla biografia dell’opera e al viaggio storico. “In questa era digitale in cui l’immagine può essere riprodotta all’infinito, le persone hanno iniziato a dimenticare che il dipinto è un oggetto che ha una vita”, sottolinea Timkin. “Non è che le opere nascano famose. Potrebbero passare alcuni anni, molti decenni o secoli prima che atterri sul muro dove gli spettatori lo guardano. Quelle storie possono essere assolutamente avvincenti e improbabili.

Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Köln, WRM, Gemäldesammlung, Matisse, Henri, Corse, le vieux moulin (Korsika, die alte Mühle), 1898, Öl, Leinwand, 38,5 x 46 cm,Inv.-Nr.  Dip.  0780 FC
La Corsica, Il vecchio mulino di Henri Matisse (1898) Fotografia: The Museum of Modern Art, New York

Dopo il rifiuto di Shchukin, l’opera ha debuttato sulla scena internazionale, dove è stata accolta principalmente con derisione. Matisse lo tenne in suo possesso e fuori dalla vista del pubblico per 12 anni finché non trovò una casa improbabile nell’elegante hot spot londinese del Gargoyle Club alla fine degli anni ’20 e ’30. Solo quando sbarcò a New York a metà degli anni ’40 trovò finalmente un’accoglienza entusiasta nel mondo dell’arte.

“Così tante delle opere di riferimento dell’arte moderna sono state disprezzate o ignorate per molto tempo”, spiega Temkin. “La vita di una foto prende forma grazie ai luoghi in cui va e alle persone che la vedono. Vogliamo che gli spettatori si rendano conto di quanto tutto ciò sia contingente. La storia dell’arte non è una linea netta che si svolge in una direzione predeterminata. Sono tutti questi colpi di scena, incidenti e sorprese. Potreste chiamarla la storia del gusto o del collezionismo. Ho la sensazione che anche Matisse non abbia compreso appieno The Red Studio per molto tempo”.

Dopo la seconda guerra mondiale, gli artisti iniziarono a realizzare dipinti piatti, monocromatici e astratti e arrivarono a vedere l’immagine di Matisse come un modello, uno che non mostrava il primo piano e lo sfondo tipici ed evitava una narrativa o uno scenario convenzionale. “Il dipinto è rinato attraverso gli occhi di un artista come Mark Rothko e Ellsworth Kelly”, dice Temkin. “Quando le persone guardavano The Red Studio nel 1911 o nel 1920 o anche nel 1930, sembrava un rettangolo rosso con queste piccole macchie di colore e non riuscivano a decifrarlo. Ma poi gli artisti hanno continuato a fare cose ancora più radicali di così, senza riferimenti ad alcun oggetto. La pittura di Matisse è diventata in qualche modo comprensibile come l’antenato di quella nuova arte astratta.

La mostra comprende anche un video di conservazione con le recenti scoperte sulla storia della creazione del misterioso dipinto. A un attento studio, i conservatori del MoMA hanno individuato sfumature di blu, rosa e ocra che sbirciavano attraverso lo strato di vernice rossa, oltre a tracce di gocciolamenti di quei colori ai bordi del dipinto. Si scopre che il dipinto originale era più vicino nella tavolozza al più naturalistico The Pink Studio, che Matisse aveva realizzato per Shchukin all’inizio di quell’anno. Il rosso, a quanto pare, è stato applicato in un impeto di ispirazione un mese o più dopo che gli strati precedenti si erano asciugati: a quanto pare Matisse si è spalmato sul rosso con tale velocità e vigore che i peli del pennello sono stati strappati via e intrappolati nella vernice.

Negli ultimi anni di Matisse, sembrava tornare ancora una volta al Red Studio, in un certo senso. “La libertà e la liberazione che ha trovato con i suoi ultimi ritagli possono essere ricondotte allo spirito di The Red Studio”, afferma Temkin. Matisse ha appuntato questi ritagli direttamente sulle sue pareti e le forme e le forme colorate fluttuanti in effetti sono state sostituite dai particolari dipinti di The Red Studio. Dopotutto, quell’opera d’arte “è quasi solo uno spazio dell’immaginazione. Non ti sembra di guardare una stanza di cemento che esiste davvero – non vedi il pavimento o le pareti, una porta, i soffitti. Quel senso di sconfinato è esattamente quello che stava facendo con i suoi ritagli nel suo studio alla fine della sua vita.

Quella confusione tra arte e vita era un pezzo costante e fondamentale del lavoro di Matisse. “Questo dipinto è estremamente letterale nel ritrarre il suo posto di lavoro e i suoi contenuti, ma allo stesso tempo l’immagine è quasi un universo immaginario”, afferma Temkin. “L’arte di Matisse è quasi un’arte filosofica: cos’è l’arte e cos’è la cosiddetta vita reale? Quell’ambiguità è qualcosa che ha giocato con tutta la sua vita”.

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