Art

La bellezza mostruosa del tardo tessile di Louise Bourgeois

LONDRA — Per Louise Bourgeois l’atto di cucire era ricco di significato. Il tessuto strappato, tagliato e cucito rifletteva stati psicologici, riconfigurando la sofferenza infantile, le paure di separazione e i tentativi di riparazione e riconciliazione. Il bambino intrecciato alla Hayward Gallery è un esame potente e commovente delle sculture in tessuto che Bourgeois ha iniziato a realizzare negli ultimi due decenni della sua vita, delineando temi di maternità, genere, identità e trauma.

<

La mostra si apre con le prime incursioni di Bourgeois nel tessuto e nell’abbigliamento, un significativo allontanamento dai suoi decenni di utilizzo di materiali tradizionalmente maschili come bronzo e marmo, nonché dai suoi noti esperimenti su lattice e gesso. “Untitled” (1996) è uno dei suoi pezzi “pole” più potenti. Gli indumenti intimi che appartengono a lei e alla madre sono sospesi alle ossa del bestiame; Ogni sottoveste, vestito e camicetta è contemporaneamente un simbolo sociale di genere e un deposito psicologicamente carico di ricordi costruiti dal tocco fisico del corpo di chi lo indossa.

Più o meno nello stesso periodo, Bourgeois iniziò a lavorare su di lei Cellule, che sono diventati alcuni dei suoi pezzi più noti. (Ne ha installati diversi su scala monumentale nella Turbine Hall della Tate Modern nel 2000.) “Cell VIII” (1998) combina capi di abbigliamento personali con elementi scultorei come modelli architettonici e un piccolo ragno di bronzo, il tutto contenuto all’interno di una “cella” realizzata di porte. Lo spazio liminale è insieme trappola e rifugio, prigione e manicomio (in tutti i sensi).

Louise Bourgeois, “Spider” (1997), acciaio, arazzo, legno, vetro, tessuto, gomma, argento, oro e osso, 449,6 x 665,5 x 518,2 cm (© The Easton Foundation/VAGA at ARS, NY and DACS, London 2021 foto Massimiliano Geuter)

Il ragno è un motivo chiave nel lavoro successivo di Bourgeois. Lo associava a sua madre e gli aracnidi spesso sembrano essere sia protettivi che minacciosi. “Spider” (1997), un’opera cellulare in cui un enorme ragno sospende una covata di uova di vetro su un’enorme gabbia, è il pezzo più grande della mostra. Le pareti sono parzialmente ricoperte da strisce irregolari di arazzi antichi, un cenno al lavoro d’infanzia di Bourgeois nell’atelier di restauro degli arazzi dei suoi genitori.

In “Lady in Waiting” (2003), un ibrido donna ragno siede su una sedia tappezzeria all’interno di una vetrina polverosa. Fili delicati scorrono dalla sua bocca fino a cinque rocchetti nella parte anteriore della vetrina. Bourgeois era attratta dalla capacità del ragno di tessere la sua tela dal proprio corpo, paragonandolo al suo stesso processo creativo e al lavoro di sua madre nell’atelier. Un motivo simile emerge in “La buona madre” dello stesso anno, in cui una donna senza braccia realizzata in spugna rosa e contenuta all’interno di una vetrina, si inginocchia come in supplica o sottomissione. I fili di cinque rocchetti di cotone emergono dai suoi capezzoli, estendendo i confini del suo corpo e suggerendo le reti di connessione che fanno parte della vita di una madre. Un testo murale per “Lady in Waiting” menziona che Bourgeois raffigurava spesso oggetti in gruppi di cinque, in riferimento al suo nucleo familiare come figlia e poi come madre.

Molte delle sculture cucite di Bourgeois utilizzano il materiale di flanella rosa visto in “La buona madre”. La morbidezza e la tattilità del tessuto somigliano allo stesso tempo e ne fanno una parodia, attirando e frustrando il senso del tatto dello spettatore. Questi pezzi rosa sono tra i più psicologicamente carichi della mostra. In “Do Not Abandon Me” (1999), Bourgeois presenta una donna che partorisce, attaccata al suo bambino dall’ombelico all’ombelico tramite un cordone ombelicale esteso. Il titolo è ambiguo; è il genitore o il bambino che chiede di non essere abbandonato?

Louise Bourgeois, “Couple IV” (1997), tessuto, pelle, acciaio inossidabile e plastica, 50,8 x 165,1 x 77,5 cm (© The Easton Foundation/VAGA at ARS, NY and DACS, London 2021. Photo Christopher Burke)
Louise Bourgeois, “Untitled” (1996), stoffa, bronzo e acciaio, 293,4 x 109,2 x 88,9 cm (© The Easton Foundation/VAGA at ARS, NY and DACS, London 2021. Photo Allan Finkelman)

Il genio dell’artista sta nel modo in cui allude alla profonda complessità delle relazioni umane. Nella sua rappresentazione incrollabile della maternità, rappresenta l’immensamente potente legame genitore-figlio (qualcosa che ha descritto come “mostruoso” nei suoi scritti), ma suggerisce anche il desiderio di libertà della madre. Diverse opere mostrano una donna con un paio di forbici, pronta a tagliare un cordone ombelicale che la incatena al suo bambino; in “Corda ombelicale” (2000), un’incisione su tela appesa al muro accanto a “Non abbandonarmi”, una madre sembra gettare via il figlio con gioia dispettosa, nonostante sia ancora attaccata all’ombelico.

Un’altra opera chiave in spugna rosa è “Pierre” (1998), un ritratto scultoreo di modeste dimensioni del fratello minore di Bourgeois, che trascorse gran parte della sua vita in manicomio. Apparentemente assemblata da più ritagli di tessuto con cuciture visibilmente disordinate, la testa senza corpo giace su un lato, un orecchio mancante, un’espressione di angoscia cucita sui suoi lineamenti. L’intensità psicologica del ritratto è accentuata dalla sua piccolezza, così come da quella che sembra essere una collocazione casuale su un fianco come un oggetto scartato e dalla decisione curatoriale di includerlo in una vetrina con una serie di altre opere di piccola scala.

Le etichette murali e il catalogo sottolineano ripetutamente la natura “rudimentale” e “ruvida” del cucito di Bourgeois. È certamente vero che il cucito non è accurato; i punti chiaramente visibili sono di dimensioni non uniformi e fili sciolti sporgono dai bordi sfilacciati. In catalogo, il curatore della mostra, Ralph Rugoff, cita Linda Nochlin: “The ‘deliberate ferocity of [the] il cattivo cucito”, come ha osservato Linda Nochlin, evoca contemporaneamente “la vecchiaia, che paralizza il virtuosismo, o la regressione all’infanzia, il tempo prima che venga acquisita”.

Louise Bourgeois, “Single I” (1996), tessuto, pezzo appeso, 213,4 x 132,1 x 40,6 cm (© The Easton Foundation/VAGA at ARS, NY and DACS, London 2021. Photo Ron Amstutz)

Va tutto bene, ma il cucito di Bourgeois non è “cattivo”, né i suoi oggetti d’arte sono “crudamente realizzati” (nelle parole di Rugoff). Per un pezzo come “Temper Tantrum” (2000) e molte delle sue teste senza titolo dei primi anni 2000, le cuciture incrociate e sfilacciate danno l’impressione che le figure siano costituite da frammenti casuali rozzamente messi insieme. Tuttavia, non è così: nonostante l’aspetto grezzo delle cuciture, la lavorazione è in realtà molto sofisticata. I pezzi di tessuto vengono tagliati e cuciti per determinare la forma e la struttura della figura, piuttosto che cuciti su una forma prefabbricata. Molte delle opere non contengono armature interne e traggono solidità dalla complessa costruzione patchwork e dalla fitta imbottitura, che sembra determinata a testare al limite le cuciture “rudimentali”. La lavorazione è in effetti virtuosistica, forse sovvertendo intenzionalmente l’immagine dell’artista più anziana che ne cuce a mano molti al tavolo della sua cucina nella sua brownstone di Chelsea. La loro crudezza è piuttosto una scelta deliberata, con una forte forza psicologica, e sembra un peccato minimizzare le capacità di Bourgeois, soprattutto quando l’abilità del cucito è stata a lungo liquidata e minimizzata come un’arte femminile.

Interattivo, durante tutta la mostra l’approccio curatoriale è sensibile e coinvolgente, tessendo una ragnatela di idee complesse, interconnesse e spesso apparentemente contraddittorie. Per alcuni dei suoi pezzi finali, Bourgeois iniziò a riunire versioni di opere precedenti in grandi vetrine di legno. In “Untitled” (2010), prodotto l’anno in cui morì, all’età di 98 anni, combina un pezzo “polare” che sfoggia rocchetti di filo con un busto simile a un materasso, sormontato da una pila di berretti imbottiti. Presi dall’amata collezione di cappelli dell’artista, occupano un posto ambiguo tra i seni e le forme geometriche, bilanciando una linea sottile tra intimità e astrazione. Queste ultime opere di Bourgeois mostrano come le stesse cose possano apparire allo stesso tempo mostruose e accattivanti nello stesso momento. Questa è una mostra piena di verità domestiche.

Louise Bourgeois, “Untitled” (2002), arazzo e alluminio, 45,7 x 30,5 x 30,5 cm (© The Easton Foundation/VAGA at ARS, NY and DACS, London 2021. Photo Christopher Burke)

Louise Bourgeois: Il bambino intrecciato Continua alla Hayward Gallery (Southbank Centre, Belvedere Road, Londra, Inghilterra) fino al 15 maggio. La mostra è stata curata dal direttore della Hayward Gallery Ralph Rugoff, con l’assistente curatrice Katie Guggenheim e l’assistente curatoriale Marie-Charlotte Carrier.

Related Articles

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *

Back to top button
Close
Close