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La gallerista Sadie Coles: ‘Non credo che il digitale sostituirà l’arte o gli oggetti’ | Arte

UNdopo aver studiato storia dell’arte alla Middlesex University, Sadie Coles, 59 anni, ha lavorato alla Arnolfini di Bristol, poi alla galleria Anthony d’Offay dove si è specializzata negli artisti più giovani tra cui Sara Luca e Grayson Perry. Nel 1997 ha fondato la sua influente galleria, Sede centrale di Sadie Coles, nel West End di Londra. Gli artisti che rappresenta includono Lucas, John Currin, Helen Marten e Alvaro Barrington. L’anno scorso è stata insignita dell’OBE per i servizi all’art.

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In che modo la Brexit ha influenzato la tua attività?
Ciò che è interessante è la percezione che esso [trade] sarà più difficile. La Londra post-Brexit è ancora una città di livello mondiale e funziona ancora brillantemente in termini di posizione, lingua, tempo. Quindi sento che ci sarà un periodo doloroso in cui le persone capiranno che le barriere che immaginavano ci fossero in realtà non ci sono. Un po’ di correzione sarà una buona cosa perché farà in modo che tutti si impegnino di più, ripensino le cose, siano un po’ più creativi.

Come decidi di voler lavorare con un artista?
Vedo qualcosa che mi incuriosisce. Lavoro che sta facendo qualcosa di originale e muovendo l’ago. Chiedo ad altri artisti chi gli piace o chi stanno guardando. O critici o persone da museo. Vedo molti spettacoli, quindi il blocco è stato piuttosto difficile perché sono stati due anni senza viaggiare, il che significava che stavi guardando gli spettacoli in digitale invece che nella vita reale.

Pittura astratta su un muro bianco
LATAH OSB, 2022, di Seth Price, uno degli artisti di Sadie Coles HQ. Fotografia: Robert Glowacki/© Seth Price, per gentile concessione di Sadie Coles HQ, Londra.

Hai fatto decidi di lavorare con qualcuno da qualcosa che hai visto solo online?
No. Voglio sempre vedere le cose e parlare con l’artista. Per andare a stare nel loro studio. Voglio sentire la loro passione per quello che fanno. Quando stai mettendo insieme un programma per la tua galleria non può essere una monocultura. Vuoi riflettere il mondo e il mondo cambia continuamente. Arte è diventato più politico negli ultimi due o tre anni perché i problemi che stiamo affrontando sono cambiati e le nostre ansie sono diventate più acute.

Dici “più politico”, ce ne sono altri segni distintivi?
Gli artisti utilizzano nuovi mezzi e piattaforme per creare arte e NFT [non-fungible tokens] ne sono un esempio, anche se personalmente penso che il nome sia una falsa pista. Dovremmo dire “arte digitale” perché è solo un nuovo mezzo che gli artisti stanno utilizzando tramite una nuova tecnologia, blockchain. Quindi è un cambiamento, ma molti dei modi in cui le persone comunicano sono cambiati. Ovviamente, durante il lockdown c’è stato un boom di persone che guardano e acquistano arte in digitale. Ma era sempre successo. Le persone compravano opere d’arte da JPEG prima del blocco. La più grande rivoluzione in tutto il mio tempo come mercante d’arte è stata Internet, perché quando ho iniziato a lavorare per Anthony d’Offay non c’erano i fax, non c’era il world wide web. Il fatto che tu possa raggiungere il pubblico globale dalla tua scrivania ha trasformato il mercato dell’arte in questo mercato aperto di recente democratizzazione.

Ci sono parametri di ciò che un NFT può e non può essere o esiste solo come una cosa digitale?
Siamo proprio all’inizio di dove l’arte digitale può vivere ed essere collezionata e cosa fanno gli artisti come mezzo. Ci saranno grandi sviluppi e innovazioni che influenzeranno il contenuto e proverranno dall’interno del mezzo.

Quindi si sta definendo in questo momento?
La grande arte è grande arte, quindi se un artista fa qualcosa di veramente interessante in una forma digitale, per me è eccitante quanto qualcuno che fa un grande dipinto.

David Bowie ha posato sotto l'insegna K. West a Heddon Street, Londra, per la copertina del suo album Ziggy Stardust del 1972.
La prima galleria di Sadie Coles era in Heddon Street, Londra, vicino a dove è stata fotografata la copertina dell’album di David Bowie The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Fotografia: Brian Ward/The David Bowie Archive/PA

La tua prima galleria era attiva Via Heddonproprio accanto al luogo in cui il Ziggy polvere di stelle la manica è stata colpita. Era la K. Ovest segno ancora lì? Sì, quando ho aperto per la prima volta.

E hai visto la gente venire e posare?
Molti turisti. La cabina del telefono è ancora lì, quindi le persone continuano a scattare immagini. Quando David Bowie morì c’era un’enorme pila di fiori – in stile principessa Diana – sulla strada dove sarebbe stata l’insegna.

È mai venuto nella tua galleria?
È venuto al primo spettacolo di Sarah Lucas che abbiamo fatto come quello che ora viene chiamato un pop-up, in un magazzino in St John Street. È venuto con Charles Saatchi ed era davvero interessato a tutta l’energia del gruppo YBA a quel tempo. Ci ha invitato tutti a un concerto, ricordo.

C’era un particolare opera d’arte che ti ha fatto capire che volevi fare il gallerista?
Uno dei primi oggetti che ha suscitato il mio interesse è stata la maschera di Tutankhamon. Avevo circa 10 anni. Abbiamo fatto la fila per sei ore per entrare e c’era questo senso di anticipazione ed eccitazione, e poi questo tunnel oscuro, che si è replicato andando nelle piramidi. E poi la cosa blu brillante e oro in fondo – ero tipo: “Ooh aah, questo è quello che voglio nella mia vita!”

Ci siamo incontrati quando Pulp ha chiesto di utilizzare le riproduzioni dei dipinti di John Currin nel video per Aiuta gli anzianihai avuto dei dubbi sul permettere che il lavoro di un artista venga utilizzato in un video pop?
No, perché la sinergia tra il lavoro di John e la tua visione era perfetta. C’era questo tipo di sfacciataggine intorno a Pulp in quel momento. Ad esempio, amo davvero quella canzone Underwear e non potrebbe essere più vicina alla singolare visione di John.

Mi è piaciuto anche il modo in cui eri senza dogma nel fare repliche dei dipinti, se ricordi. Sono ancora nell’ufficio di Rough Trade, molto sbiaditi, perché sono passato di recente e li ho visti. Ma ti andava bene che non dovessimo prendere in prestito le vere opere d’arte da mettere nella casa di campagna per il video. John era entusiasta della tua musica. C’era molto condiviso, quindi sembrava giusto e sei rimasto un grande amico.

Qual è l’iniziativa IGA (International Galleries Alliance) che hai appena lanciato?
È uscito dal lockdown. C’era questa sensazione, che tutti sentivano, dell’ignoto e di come negoziarlo. E poi quella è diventata una domanda più concettuale su come sarà il futuro per il mondo dell’arte e come possiamo unirci per essere più forti. Ora ci sono 260 membri in tutto il mondo.

Mi auguro che parte della collaborazione e della comunicazione collegiale che è andata avanti durante il lockdown continui. Penso che l’isolamento abbia reso le esperienze del mondo reale, ad esempio camminare in un parco, molto più desiderabili di prima. Per molti versi il fatto che siamo così saturati dal digitale significa che le esperienze del mondo reale sono più preziose che mai.

C’è sempre questo malinteso sul fatto che i progressi tecnologici uccideranno la cosa prima di loro, ma in realtà spesso migliorano quella cosa. Quindi non credo che il digitale sostituirà l’arte o gli oggetti o le esperienze IRL.

Non saremo tutti costretti a vivere nel metaverso per il resto delle nostre vite?
No! La propria esperienza nel metaverso potrebbe portarti all’esperienza reale o viceversa: è un miglioramento, suppongo, è come la vedo io.

Art Is Not Human, una mostra di opere di Seth Price, è al Sadie Coles HQ, 62 Kingly Street, Londra W1 fino al 28 maggio 2022

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