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Nukes in the brooks: gli artisti che hanno armato l’arte del paesaggio | Arte e design

ioPrima era abbastanza chiaro cosa fosse l’arte del paesaggio. All’interno della tradizione britannica, furono artisti come Gainsborough, Constable o Turner a fornire le immagini predefinite degli ambienti rurali, e da loro si potrebbe far risalire una linea fino ai giorni nostri comprendendo una serie di artisti come Paolo Nash o Eric Ravilious. Era opinione accettata fino al 20° secolo che questa tradizione – in particolare i capolavori del 18° e 19° secolo – rappresentasse qualcosa che era in qualche modo sicuro, fisso e ampiamente riflettente del modo naturale delle cose.

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Paesaggi radicali alla Tate Liverpoolche, fedele al suo titolo, ha adottato una visione espansa e inclusiva di cosa sia l’arte del paesaggio, non sorprende che non includa il famoso doppio ritratto di Gainsborough del 1750 circa Il signor e la signora Andrews nella loro grande tenuta. Ma include un video clip di John Berger che critica il dipinto nella sua serie TV del 1972 Modi di vedere.

In sostanza, l’argomento di Berger era che, piuttosto che leggere il dipinto come una semplice celebrazione del matrimonio con il campo di grano che lo accompagnava a simboleggiare la fertilità e così via, si trattava di una sfacciata celebrazione della proprietà e della terra privata, e una dichiarazione su chi vi avesse accesso e chi lo avesse fatto. no. Come fa notare Berger, il dipinto è stato realizzato in un momento in cui un uomo che ha rubato una patata ha rischiato una pubblica fustigazione e la condanna per bracconaggio era l’espulsione.

Questo spirito di interrogazione sulla proprietà, l’uso e l’accesso alla terra anima uno spettacolo inizialmente concepito al culmine dei dibattiti sulla Brexit su identità, appartenenza e “ripresa del controllo”. Curatore Darren Pih era interessato alle nozioni di soglie e confini, nonché alla realtà di vaste aree del Regno Unito vietate alla maggior parte delle persone per una moltitudine di ragioni, che vanno dalla proprietà privata, anche da parte di trust offshore, alla militarizzazione e alla discriminazione.

Pietra surreale ... Je Tends les Bras di Claude Cahun (1931).
Pietra surreale … Je Tends les Bras di Claude Cahun (1931). Fotografia: © Per gentile concessione di Jersey Heritage Collections

Con lo sviluppo della mostra, e dopo diversi ritardi legati al Covid, si è spostata ad esaminare il nostro rapporto con la terra attraverso le lenti della pandemia, dell’emergenza climatica e della minaccia nucleare, nonché dei legami più mistici ed emotivi con il paesaggio rurale. Anche i legami tra accesso alla terra e classe, razza, genere e disabilità vengono sondati in un contesto specifico di attivismo e protesta.

Questo ampio riassunto è soddisfatto da una collezione opportunamente eclettica di oltre 150 opere, in gran parte e fantasiosamente raccolte dalla collezione della Tate e accresciute con alcuni astuti prestiti e commissioni. Il risultato è piacevole, sorprendente e vario. La rappresentazione molto elaborata di Flatford Mill da parte di Constable si trova accanto a stendardi realizzati negli anni ’80 Greenham comune campo di pace. La fotografia surreale di Claude Cahun di un paio di braccia che emergono da un monolito di pietra si trova vicino ai cataloghi del Festival of Britain. C’è un esame delle vite efficienti sotto il profilo delle risorse della comunità rom, e Haywain di Peter Kennard con i missili da crociera montaggio.

Pih dice che “voleva esplorare il motivo per cui abbiamo un tale attaccamento emotivo alla terra e perché protestiamo quando la vediamo minacciata”, e mentre lo spettacolo fa un cenno alla storia dei recinti e delle Highland Clearances in Scozia, la sua vera storia storica e politica punto di partenza sono i movimenti sconclusionati e poi sconfinati della prima parte del secolo scorso, culminati con la violazione di massa dei Kinder Scout del 1932 nel Peak District. Guidato da escursionisti e giovani comunisti, alla fine ha portato alla creazione di parchi nazionali nel Regno Unito.

Guerriero al neon... Cerne Abbas di Jeremy Deller (2019).
Guerriero al neon… Cerne Abbas di Jeremy Deller (2019). Fotografia: Jack Hems/© Per gentile concessione dell’artista/The Modern Institute, Glasgow.

Sebbene chiaramente provengano da un lignaggio di antiche proteste rurali, questi sconfinamenti di massa erano in gran parte tentativi della classe operaia urbana di accedere alla terra in un momento in cui le città erano inquinate e l’accesso allo spazio verde era limitato ma essenziale per una buona salute. I parallelismi con la pandemia sono evidenti. Le trasgressioni sono rappresentate nella mostra da fotografie di stampa degli anni ’30. Immagini di mezzo secolo dopo, scattate da Alan Lodge, dello scontro oggi noto come la battaglia di Beanfield tra un convoglio di viaggiatori new age diretti al festival gratuito di Stonehenge del 1985 e la polizia, illustra come la storia continua.

Il focus nozionale della Battaglia di Beanfield, Stonehenge, risuona intorno alla mostra con artisti – Ravilious, Henry Moore, Tacita Dean e altri – attratti da aspetti simbolicamente potenti del paesaggio da henges e geoglifi ad antiche querce. Commerciante Jeremy, che ha girato film su henges e la cui rappresentazione al neon del gigante di Cerne Abbas è nello show insieme ai suoi smiley acid house fatti di paglia, riflette che: “La bellezza della maggior parte di questi siti è che c’è un senso di proprietà condivisa, fisicamente e concettualmente. Sono questo enorme, muto specchio della Gran Bretagna. Qualunque siano le tue opinioni su te stesso o sul tuo paese e sull’umanità, puoi proiettarle su queste strutture. Per me Stonehenge è la struttura più contemporanea della Gran Bretagna, perché ogni settimana sembra che ci sia una nuova storia al riguardo”.

Vai con il grano ... Oceans Apart (1989) di Ingrid Pollard è presente nello spettacolo.
Riparare ciò che è stato nascosto in bella vista … Oceans Apart di Ingrid Pollard (1989). Fotografia: © Ingrid Pollard. Tutti i diritti riservati, DACS, 2022

Dopo la battaglia di Beanfield, i luoghi per l’assemblea di massa contestata si trasferirono nella fiorente scena dei rave, culminando nel 1992 a l’enorme raduno senza licenza a Castlemorton (lo spettacolo presenta filmati rari del rave), che ha portato indirettamente a modifiche alle libertà civili tramite il disegno di legge sulla giustizia penale. Ma le battaglie legali intorno ai siti contestati e all’accesso erano solo un modo per limitare chi poteva, o doveva, occupare questi spazi. Le questioni di discriminazione, esclusione e cancellazione sono ampiamente esplorate nello spettacolo.

Ingrid Pollard, il cui lavoro ha rivelato da tempo ciò che è stato nascosto in bella vista nella tradizione del paesaggio – l’assenza di figure nere – evoca temi di colonizzazione attraverso fotografie di famiglia. Un film realizzato dal collettivo neurodiverse Progetto opere d’arte esplora un altro gruppo spesso escluso dalla narrativa del paesaggio tradizionale seguendo un gruppo di artisti neurodiversi, le loro famiglie e assistenti per diversi giorni durante un viaggio in una remota valle scozzese, ampliando ancora una volta la visione di chi ha diritto a godersi la campagna.

Perché ci sia accesso al mondo naturale, quel mondo deve essere curato. La tensione ambientale nello spettacolo include un’installazione appena commissionata da Delaine Le Bas, artista di origine rom – un’altra comunità emarginata spesso assente dalla storia del paesaggio. Rinkeni Pani (Beautiful Water) produce un senso dell’artista usando le convenzioni pittoriche dell’arte del paesaggio, spiega Pih, “ma il lavoro parla anche del cambiamento climatico. La nonna di Le Bas le diceva sempre di preservare l’acqua preziosa come parte di una vita nomade che era anche un modo di vivere a basso impatto che valorizzava le preziose risorse naturali. È un altro modo di pensare a chi è un attivista”.

Vista idilliaca ... The Cornfield (1918) di John Nash.
Vista idilliaca … The Cornfield (1918) di John Nash. Fotografia: Joe Humphrys/Tate Photography

Altre installazioni su larga scala includono un pezzo appena commissionato da Davinia-Ann Robinson in cui usa il suolo recuperato per commentare la land art e il colonialismo, e Il ritorno ai campi di Ruth Ewan, la sua ricostruzione del calendario repubblicano francese, in uso dal 1793 al 1805, in cui piante e oggetti del mondo naturale e della vita contadina – spago, teschio di capra, albero – rappresentano un solo giorno. Un simbolico ritorno della terra alla gente, è anche una sfida affascinante per i curatori della Tate, che devono prendersi cura delle sue piante viventi nell’ambiente attentamente regolato di un museo.

Per quanto riguarda la crisi climatica, Gustav Metzger, ora considerato un pioniere dell’arte ambientale, emerge come una presenza chiave nella mostra con una straordinaria e grande fotografia del 1998 della costruzione della scultura M3 attraverso Twyford Down, Hampshire, circondata dalle tracce di un bruco di un movimento terra. C’è anche un display a cristalli liquidi del 1965 alimentato dal calore ambientale. Un membro dell’azione diretta della CND Comitato dei 100 All’inizio degli anni ’60, il legame personale di Metzger con le prospettive di potenziale distruzione dell’umanità – fu mandato dalla Germania nel Regno Unito nel 1939 all’età di 13 anni sul Kindertransport e la maggior parte dei suoi parenti stretti perirono nell’Olocausto – influenzò fortemente le sue preoccupazioni sulla tecnologia che aveva il per portare l’annientamento ambientale.

Ruth Ewan, Ritorno ai campi (2015).
Ruth Ewan, Ritorno ai campi (2015). Fotografia: Marcus Leith/per gentile concessione del Camden Art Center

L’ampia tela della mostra illustra bene l’infinita complessità e interconnessione delle questioni relative alla terra e ai paesaggi. Forse sorprendentemente, uno degli artisti in primo piano che meglio si aggira sui confini apparenti è Derek Jarman. È rappresentato dal lavoro – assemblaggio, fotografia, pittura, film – realizzato a Prospect Cottage, sito del suo giardino sul mare a Dungeness, nel Kent. Ma la sua traiettoria di carriera sembra particolarmente adatta per uno spettacolo in cui attivismo e ribellione sono parte intrinseca del rapporto tra natura e arte.

Negli anni ’70, aveva lavorato in risposta ad Avebury e alle sue pietre miliari prima di adottare un ruolo più attivista e pubblico per offrire una critica al thatcherismo. Quando gli è stato diagnosticato l’HIV e si è ammalato, si è ritirato nel suo cottage per accedere alle qualità di recupero e rigenerazione della natura. Mentre era lì, ha creato il suo ormai famoso giardino che, nella sua filosofia, l’ambiente pubblico e la bellezza si presentavano come un esempio utile come qualsiasi paesaggio radicale.

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