Art

‘Questo è un dipinto di protesta’: artisti aborigeni si esprimono in mostra sostenuti da giganti minerari | Arte

wQuando Allery Sandy ha sorvolato il paese di Yindjibarndi in aereo per la prima volta, ha suscitato qualcosa di profondo e antico dentro di lei. Un mare di Mulla Mulla (fiori di campo rosa) si gonfiava attraverso gli altipiani rocciosi, dove Storie di Sognare sono scolpite nel paesaggio e una rete di corsi d’acqua striscia verso il fiume Fortescue.

<

Fu in quel momento che Sandy capì che voleva dipingere la sua ngurra (paese). “Ho detto a mio marito: ‘Se mai metterò le mani su una tela abbastanza grande, dipingerò tutta la bellezza che c’è in basso'”, dice.

Marni (2021), di Allery Sandy.
Marni (2021), di Allery Sandy.

Un rispettato anziano che lavora con il collettivo artistico Yinjaa-Barni, oggi Sandy è rinomata per i suoi dipinti aerei sublimemente dettagliati delle sue terre d’origine. Come molti artisti Pilbara, il paese è il luogo e il cuore della sua pratica, sia narratore che musa ispiratrice; tessere una letteratura della terra che rivela modi di vedere aborigeni e un impegno a tramandare conoscenze culturali.

I suoi dipinti sono appesi insieme al lavoro di oltre 70 artisti Brani che condividiamo: Arte contemporanea della Pilbara presso la Galleria d’Arte dell’Australia Occidentale (AGWA). La più grande rassegna mai realizzata sull’arte aborigena di Pilbara, la mostra celebra la vasta produzione artistica della regione e le storie, il linguaggio e le melodie che legano la sua gente.

Allery Sandy a Yinjaa-Barni Art, nel 2020.
Allery Sandy a Yinjaa-Barni Art, nel 2020. Fotografia: Bobbi Lockyer

Nato dal desiderio di rafforzare la capacità e l’importanza del settore artistico di Pilbara, il progetto triennale è una collaborazione tra FORM, AGWA e i centri d’arte aborigeni Cheeditha Arte Group, Juluwarlu Art Group, Martumili Artists, Spinifex Hill Studio e Yinjaa-Barni Art e un certo numero di singoli artisti.

Mentre il Pilbara ospita la più antica concentrazione al mondo di arte rupestre petroglifica, il suo settore delle arti contemporanee è relativamente sottosviluppato, in parte a causa dell’ascesa del settore delle risorse, afferma il curatore senior della FORM Andrew Nicholls.

“La Pilbara è un centro artistico incredibilmente vario e ricco, e non è proprio noto per questo. È stato un po’ eclissato dall’industria mineraria,” dice. “D’altra parte, i dirigenti minerari sono diventati un mercato desideroso e desideroso di opere d’arte Pilbara, quindi molti artisti non hanno mai sentito il bisogno di spingere se stessi o espandere le loro pratiche”.

È un enigma che FORM e i suoi partner di progetto, tra cui AGWA, il governo WA, BHP e Woodside, abbiano deciso di cambiare con Tracks We Share, fornendo sviluppo economico, professionale e culturale per rafforzare il modello di centro d’arte che ha avuto un grande successo in altre parti dell’Australia. Ciò includeva commissioni, residenze, laboratori, tutoraggi e attività nel paese, oltre a una significativa documentazione del movimento artistico della regione che ha portato a un ricco archivio.

Artisti Martumili in mostra nella mostra Tracks We Share: Contemporary Art della Pilbara.
Artisti Martumili in mostra nella mostra Tracks We Share: Contemporary Art della Pilbara. Fotografia: AGWA

Il sostegno delle industrie estrattive è un’ironia che presumibilmente non va perduta sugli artisti in mostra, molti dei quali fanno affermazioni politiche audaci attraverso la loro arte sull’espropriazione culturale e sullo sfruttamento delle risorse naturali. Come il curatore e autore, il dottor Stephen Gilchrist, lo inserisce astutamente nel catalogo della mostra: “Una cosa è difendere l’arte indigena, ma è altrettanto essenziale proteggere i siti culturali indigeni. L’uno esiste per l’altro e per l’altro”.

Jill Churnside è un’artista di Ngarluma che affronta verità scomode a testa alta. Il suo lavoro Washing Day è una bandiera australiana intrisa di pesanti sferzate di vernice bianca e stesa ad asciugare, che fa riferimento alle dolorose storie della politica dell’Australia Bianca e delle generazioni rubate.

Un’altra delle sue opere, Country in Bloom, sembra essere una rappresentazione innocua di fiori di campo, ma rende omaggio ai tradizionali proprietari di Murujuga che furono decimati in un sanguinoso conflitto con i coloni bianchi nel 19° secolo. “È importante, quelle storie devono essere raccontate”, dice. “Non possiamo dipingere sempre belle immagini.”

Ngundamurri (particolare) di Juluwarlu Art Group, nella mostra Tracks We Share.
Ngundamurri (particolare) di Juluwarlu Art Group, nella mostra Tracks We Share. Fotografia: AGWA

La video installazione di Juluwarlu Art Group Ngundamurri presenta un ngunda (corrobore), segnando la prima volta a memoria d’uomo un tale rituale ha avuto luogo nel paese di Yindjibarndi. Indossando vernice bianca per il corpo e bandane rosse ornate di piume, il gruppo di soli uomini dà nuova vita alle danze tradizionali dei loro antenati, mentre trasporta Jarnyjin (bastoncini da ballo) delicatamente scolpiti, realizzati dall’uomo di legge e anziano Wayne Stevens.

“Juluwarlu ama lavorare in modo collaborativo”, afferma Nicholls. “Sono il centro d’arte più giovane della regione, ma sono così proattivi e un gruppo così affiatato. Se chiedi a uno di loro di fare qualcosa, 20 di loro si presenteranno”.

Nyaparu (William) Gardiner (dec.), Cattlemen in the Pilbara, 2018. Acrilico su tela, 1520 x 1520 mm.
Nyaparu (William) Gardiner (dec.), Cattlemen in the Pilbara, 2018. Acrilico su tela, 1520 x 1520 mm. Fotografia: Nyaparu (William) Gardiner (dec.) (Spinifex Hill Studio)

Conosciuto come “il grande poeta dell’industria pastorale”, Nyaparu (William) Gardiner, morto nel 2018, ha dipinto i suoi ricordi di quando era cresciuto all’epoca dello sciopero di Pilbara nel 1946, quando quasi 1.000 operatori pastorali aborigeni non pagati se ne andarono lavoro, chiedendo il salario minimo settimanale di 30 scellini.

Con i suoi paesaggi melliflui resi in rosa tenui e arancioni, Cattlemen in the Pilbara riflette un desiderio nostalgico per i “vecchi” del signor Gardiner, incluso suo padre che era un allevatore di bestiame. In ritardo nel mondo dell’arte, il signor Gardiner ha dipinto con lo Spinifex Hill Studio per gli ultimi cinque anni della sua vita.

La mostra si conclude con l’energico dipinto acrilico e olio degli Artisti Martumili, che rappresentano il popolo Martu le cui terre d’origine si estendevano in remote distese del Deserto Occidentale. Kintyre, un dipinto realizzato da un gruppo di più di 20 artisti, pulsa di un amore per il paese gioioso e che afferma la vita.

Kintyre (2020 - 2021), Artisti Martumi.
Kintyre (2020-2021), artisti Martumili. Fotografia: Artisti Martumi

Una sezione verde in alto a destra della tela rileva il Sito minerario di Kintyre, terreno nel paese di Martu che è stato sequestrato da Rio Tinto nel 2008 per creare una delle più grandi esplorazioni di uranio del mondo. Il sito proposto è collegato sotterraneamente al Lago Dora, lago salato di grande importanza per il popolo Martu.

“Questo è un dipinto di protesta”, afferma l’artista Martumili Desmond Taylor. “Speriamo di recuperare la terra che ci è stata sottratta. Questa è la nostra storia, questa è la nostra casa, questo è il nostro modo di trovare un legame con il Paese”.

Gli artisti Martumilli parlano di Kintyre.

Guidato dagli anziani Martu Muuki Taylor e dal compianto Mr Wokka Taylor, Kintyre è stato creato da giovani e meno giovani, che si sono uniti per creare un’intima rete di memoria e luogo, una testimonianza dello spirito di parentela che permea il paese di Martu e la vasta massa continentale di il Pilara.

“La regione ospita una comunità così diversificata di artisti provenienti da diversi gruppi linguistici e background culturali”, afferma Nicholls. “Ma stanno condividendo le loro storie insieme e camminando fianco a fianco, nel loro viaggio creativo attraverso il paese”.

Related Articles

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *

Back to top button
Close
Close